搞艺术的华人们

最新消息：上课的时候发现另一个小组在用的案例就是淘宝这套衣服，成了一个新鲜的中国品牌出海案例。 这个感觉真的还挺奇妙的。感觉越来越多足够有辨识度的中国本土案例正在被海外的人看到、讨论。

一年前还在国内被玩梗的外卖服，跑去法国拿了设计金奖。 去年淘宝闪购第一次放出这套橙黑色骑手制服时，网上的第一反应其实相当热闹。 有人说像迈凯伦赛车服，有人质疑是不是“借鉴”过头；更显眼的是衣服上密密麻麻的阿里系 Logo，于是它又多了一个外号： “行走的广告牌”。 当然，也有人觉得挺帅，甚至想买一套。（btw，之前在北京的时候在路上看见了骑手服，当时我真的觉得这个还挺帅的） 但很少有人会想到，一年之后，这件衣服真的去了法国。 9月19日，2026年法国设计奖（French Design Award）颁奖典礼在巴黎举行，淘宝闪购城市骑士制服获颁金奖。 “这套制服让骑士拥有了具有辨识度的职业装，也让公众看到一个个身份清晰、值得尊重的城市服务者。设计、艺术与人文精神所蕴含的力量，仍在影响这个世界。”法国设计奖组委会主席达里奥·奥利维罗（Dario Olivero）看来，这是有巨大社会意义的设计行动。 过去我们对外卖服的理解其实很简单——颜色够醒目、Logo 够大、能挡风挡雨，基本就完成任务了。 但这套衣服试图往前走了一步。 橙黑配色和赛车服式的视觉语言，让骑手从“送外卖的人”变成更容易被识别的“城市骑士”；反光条被加粗，右袖可以放血型和紧急联系人信息，腰包里加入急救用品，版型和面料也针对骑行场景做了调整。 医生有白大褂，消防员有制服，空乘、警察、厨师，都有属于自己职业的视觉符号。一套被认真设计过的职业装，本身就在告诉周围的人：这是一份有明确身份、专业要求和职业价值的工作。 淘宝闪购这套制服其实是一个很小的例子。它诞生于一个非常“中国”的场景——庞大的即时配送网络、穿梭在城市里的骑手，以及已经成为日常生活基础设施的外卖服务。 但到了法国设计奖的语境里，评委最终看到的并不只是“淘宝”“外卖”或者“中国互联网”。他们看到的是职业身份、安全、尊严，以及一个城市应该如何看待每天服务于其中的劳动者。 以前我们更擅长把中国制造带到海外，后来开始把中国品牌带到海外，现在，中国本土商业和社会场景里长出来的设计，也开始被海外看见。

两期共 107 件展品，其中 24 件系近 30 年来首次展出，重磅程度不必多言。 而且难能可贵的是观展体验很好，能在不拥挤的情况下感受每幅作品的细节（毕竟放的票真的挺少…

白立方首尔Alex Carver的个展“Effigy”。 说实话只看网图我觉得叠加的图像让人眼花和疲惫，但实际观看完全被细节和艺术家的mind’s eyes打动。 我比较喜欢的“Fire”系列从但丁《神曲·地狱篇》中九层地狱的叙事抽典，画面像皮肤移植常用的mesh graft（通过网状切割能够使移植皮肤覆盖烧伤患者的更大体表面积的一种技术），现在视觉艺术家大多在尝试这样的Frankensteinian effort，Caver无疑是最成功的一个。销售情况听说很好，这种风格在亚洲还是有市场。

最近很喜欢杉山佳（Kei Sugiyama），她在日本国内画廊的作品叙事都是古美术/古道具；美国代理画廊的叙事又是家庭考古与fantasy。 我路过伊展览，只温暖地想到《牧场物语》里的家：火炉、杉树和门前的萝卜田，昏黄灯光与拓下星空的绘画台。最后一张图是我crop下来的一个金鱼缸，淡淡矿石颜料的光泽和粗粝，戏谑的玩具房感…….实在太可爱了以至于无言以对，只能重复喜欢喜欢喜欢…… 近些年确实审美逐渐从严肃性转为趣味性了╭(°A°`)╮。

在洛杉矶一家华人画廊Yiwei Gallery看到的青年韩国艺术家Kay Seohyung Lee，作品有很强的戏剧性和叙事感，有着古典舞台和韩国古代文学scroll般的场景力。 今年对包工头艺术家有点脱敏（换言之只有形式、缺乏精神和情感传达的“发明”们）。Kay其实我第一眼看见想到的是96年的中国艺术家沃欣雨（最后一张），她俩都属于“又灵又疯”的类型，对自己的女性身份、历史文化处境极度敏感。Kay作品中的每个小人都是自我的影子，在餐桌上被议论、吞噬、盘剥；丛林里的黑鸦蔽日，有的我骑着猛虎、有的我被拦腰砍断。如果必须要有一个场景描述我，我愿意是这个。

今日受邀参加私人收藏鉴赏，清代乾隆宫廷画家袁江一七二三年作品，乾隆帝盖有收藏印，三百年前乾隆皇帝也在同一角度欣赏此幅作品 袁江是清代著名的‌宫廷画家‌，确曾供职于内廷，其“宫廷御用”身份有明确历史记载。 ‌核心事实‌： ‌供职时间‌：雍正年间（约 1723–1735），袁江被召入宫廷，在‌养心殿‌供职，担任祗侯（宫廷画师）。 ‌身份佐证‌：其作品《山水人物》图册上钤有"‌臣江印‌"，这是清代宫廷画家奉旨作画时的典型用印，直接证明其宫廷服务身份。 ‌艺术地位‌：袁江被公认为清代‌界画第一‌，专攻山水楼阁，画风工细严谨，融合宋人笔意与皇家审美，深受宫廷重视。‌‌百度百科 袁江的宫廷创作多描绘‌古代宫苑、神话仙境及皇家园林‌，如《梁园飞雪图轴》《瞻园图》等，现藏于北京文物局、南京博物院、上海博物馆等权威机构。其作品不仅体现高超技艺，也反映了清代宫廷对建筑界画与山水意境的审美追求。‌‌

说到地表之下你会想到什么呢？ 我的陶瓷雕塑作品 《Bodies of nature》和版画们 入选了伦敦 The Crypt Gallery 群展 Subsurface，将在 7 月 31 日—8 月 3 日展出。 最初，我从地下的 Cabinet of Curiosities （博物馆原型）开始思考：那些被隐藏、被凝视、被消费的身体，后来逐渐延伸到人与植物、菌类、土壤之间的连接，以及身体如何不断在关系中生成。 很期待作品在这样一个历史悠久的地下空间（它是一个古代墓穴哦！）展出，也希望它能够回应这次展览关于 hidden histories、material memory和 what lies beneath the surface的主题。 如果这几天在伦敦，欢迎来看展✨ （7月31号，这个周五晚上七点后我会出现在private view🫶）

大家好，我是熙熙，一名职业音乐人，同时也在经营一个钢琴自媒体频道。过去几年里，我们一直在做钢琴改编、演奏和音乐内容创作。这个频道慢慢积累了十几万关注者，我们也陆续发行了五十多张钢琴专辑。最开始，我对这件事的理解很简单：持续创作好的钢琴内容，让更多人听到、喜欢、收藏。 但做得越久，我越明显地感受到一个问题：音乐内容在平台上很容易被消费，却很难形成一个完整的用户路径。 很多用户会因为一首钢琴曲关注我们，留言说很喜欢，或者反复循环播放。但再往前一步，就会出现断点。有人想学，却找不到合适的谱子；有人有谱子，却不知道怎么练；有人只是想在学习、工作或休息时听钢琴音乐，但内容又分散在不同平台里。对用户来说，从“我喜欢这首曲子”到“我能听、能练、能持续使用”，中间其实缺了一个承接的空间。 这个问题对创作者也很明显。我们过去几年积累的内容，分散在视频平台、音乐平台、社交媒体和粉丝群里。它们确实带来了播放量、关注和反馈，但大部分内容的生命周期还是由平台决定：发布、推荐、播放、被新的内容覆盖。作为创作者，我越来越觉得，如果这些内容只能停留在一次次发布里，它们的价值其实没有被真正沉淀下来。 所以我开始思考：能不能把这些已经存在的音乐内容，变成一个更长期、更完整的产品？ 这就是 CIP Music APP的起点。 它不是从一个凭空想出来的 App idea 开始的，而是从我们过去几年已经积累的内容和用户反馈里长出来的。我们已经有大量钢琴曲内容，也已经知道用户会在什么地方产生兴趣、在哪一步停下来、他们真正需要的是什么。App 要解决的不是“再多一个听歌入口”，而是把原本分散的内容串起来，让它们形成一个闭环。 在 CIP Music 里，用户可以直接聆听我们整理和创作的钢琴曲，也可以进入 Practice Mode，跟随曲谱、琴键提示和节奏辅助进行练习。这样，一首曲子不再只是被播放一次，而是可以从“被听见”继续走向“被学习”和“被使用”。 同时，我们也加入了场景切换、环境音、白噪音和番茄钟等功能。因为在长期做内容的过程中，我发现很多人使用钢琴音乐的场景并不只有练琴。他们也会在学习、工作、放松、冥想或睡前需要这种音乐陪伴。所以这个 App 不只是一个练琴工具，也希望成为一个围绕钢琴音乐的沉浸式空间。 对我来说，这个项目最重要的意义，是它让过去的内容不再只是散落在各个平台上的作品，而是变成了一个可以持续运转的产品系统：内容吸引用户，App 承接用户，练习和沉浸体验延长内容的生命周期，而新的用户反馈又会反过来影响我们之后创作什么、整理什么、优化什么。 这也是我现在最想探索的方向：一个音乐创作者，如何不只是依赖平台分发内容，而是把自己的内容、用户和产品连接起来，形成一个更完整的循环。 目前我们是一家专注音乐科技 App 的公司，CIP Music 是我们正在打磨的第一个核心产品。未来我们也会继续围绕音乐内容、练习体验、沉浸式聆听和 AI 辅助创作，推出更多类似的产品。