用音乐踏动ip引擎：下一个labubu，会不会是一首歌？☕️coffee chat

【内容回顾】这次和 @Chris 在small catalyst的交流让我看到了一个更加鲜活和现实文化产业生态，也学习了成熟音乐制作流程碰上今天突飞猛进的ai，具体有哪些变与不变。真心希望像chris一样的创业者都可以找到适合自身的资金支持，大家多多关注！大伙有潜在的投资人的话，欢迎介绍！文化创意全球化的成功，有诸多商业以外的因素，世界级ip的产生绝对需要doers之间鼎力互助💪 （以下信息经ai总结，手动整理勘误，并脱敏处理） 中国有这么多创作者，为什么很难做出全球化音乐ip？ 洛杉矶有大量做音乐、影视和时尚的人。音乐学院、电影学院每年培养出不少年轻创作者，有人能写歌，有人能制作，也有人能拍出质量不错的作品。但离开学校后，很多人还是以个人或小团队的方式接项目。写完一首歌，上传平台，找朋友转发，有预算就做一点推广，然后继续下一首。 作品不断产生，真正走出来的人却不多。 这背后涉及一套已经发展了很久的娱乐工业：创作者从哪里来，谁帮他们做作品，怎么决定发行哪首歌，宣发的钱花在哪里，以及一个艺人获得关注以后，如何继续发展。 对中国背景的创作者来说，问题还要复杂一些。国内有大量人才，但音乐、影视行业的产业化程度和协作机制仍在发展。到了美国，又需要进入一个高度成熟、竞争激烈的娱乐市场。要做出具有全球影响力的音乐ip，两边的难题几乎需要同时解决。 一、有才华的人很多，能把他们组织起来的系统很少 一个人现在已经可以完成不少过去需要专业团队才能做的事。写歌、录音、制作demo，通过数字发行服务把作品送上流媒体，技术上的门槛比过去低了很多。ai的发展又进一步降低了部分制作成本，opc和小型创作团队有了更多可能性。 但个人能力始终有边界。一首歌可以自己写，拍摄、视觉设计、混音、发行、宣发和商务合作却涉及越来越多不同能力。即使作品已经达到不错的水准，缺少团队和资金，很多创作者最后仍停留在发歌、获得少量曝光、再发下一首歌的循环里。 这种情况在洛杉矶也很常见。这里聚集着大量producer、导演、摄影师和独立艺人，但不少人仍以项目制工作。一个项目结束，团队就散了，下次合作再重新找人。每个人都在积累作品和经验，却很难单独建立一套持续运转的业务。 过去几年，covid和好莱坞编剧、演员罢工进一步增加了行业的不稳定性。头部公司和成熟艺人有更多资源抵御变化，中小型项目和基层从业者受到的冲击更直接。一些有能力的年轻导演、音乐人最终选择回国、转行或者进入教育行业。 这也是为什么部分长期以个人身份做项目的创作者，开始考虑把业务公司化。 ai是这一轮变化中的新工具，但推动这种转型的一个更直接原因，是多年项目经验带来的体感——个人再有能力，也很难独自完成一件足够大的事。要产生更大的商业和文化影响力，需要把不同创作者、制作人、发行团队和商业资源组织起来，让一次性合作逐渐变成长期生产能力。 中国创作者还面临另一组约束。中国的音乐和影视行业已经形成很大的市场，但在持续培养新人、发展独立厂牌、版权经营和国际发行等方面，与美国长期形成的产业体系仍有差异。优秀的音乐人和电影创作者很多，能够长期支持他们发展、并把作品推向全球的组织相对有限。 美国的情况提供了一种参照。大型唱片公司拥有强大的资本、发行网络和行业资源，独立厂牌、经纪公司、制作人和数字发行服务也有各自的位置。新人可以从小团队起步，积累一定的作品和受众以后，再接入更大的发行与商业体系。这种产业结构无法保证每个新人成功，但至少存在不同阶段的成长路径。 中国背景的年轻创作者，尤其是已经进入美国音乐、影视专业院校的留学生，恰好处在两个市场之间。他们可能拥有国际化的创作训练，熟悉中英文文化环境，也有机会接触美国的专业制作资源。但毕业后的身份问题、就业机会和行业关系，又会影响他们能否长期留在这个产业。 围绕这些人建立一个长期合作的创作者网络，再提供制作、资金、发行和商业化支持，便形成了一种类似音乐venture studio的创业设想。它需要先找到有潜力的艺人和作品，用有限资源帮助他们完成0-1；等其中一些项目获得市场验证，再继续追加制作和推广资源。 这里最难的是持续性。找到一个好歌手、做出一首好歌，都只是单个项目的成功。公司需要建立的是一条能够不断发现人才、生产作品、积累经验和推出新人的pipeline。 二、音乐只是入口，ip要靠人和作品一起生长 音乐行业的传统制作流程，并没有因为ai出现而完全改变。 一首歌通常先有词曲和初步制作，再做出demo。方向确定以后进入正式录制，由制作、编曲、录音和混音团队进一步完善，最终形成可以发行的母带。独立音乐人可以通过数字发行服务把歌曲送到流媒体平台。签约艺人则可以依靠唱片公司完成更大范围的发行、宣传和商业合作。 整个流程里，每一环都有自己的专业要求。一个创作者可以独立完成demo，但更成熟的制作人、录音师和混音团队，往往能明显改变最终作品的质量。影视也是类似的过程，从概念开发、场景选择、拍摄到后期剪辑、特效和声音制作，每个环节都需要不同能力。 ai已经进入其中一些工作，尤其是特效、视觉内容、辅助制作和短视频。但音乐和影视对精品内容的要求仍然存在。创意、表演、作品质量和最终的审美判断，仍然是整个流程的核心。 这里还有一个容易被忽略的变化——音乐可以成为更多内容形式的起点。 一首歌在写作阶段，就可能出现相应的视觉概念。歌词、情绪、人物设定和故事，可以进一步发展成mv、短片、动画，甚至未来的ar、vr体验。艺人本身也有自己的形象、风格和成长叙事。这些元素组合起来，才有机会形成能够被持续消费和传播的ip。 泡泡玛特提供了一个有意思的类比。 如果把泡泡玛特理解成一家唱片公司，那么旗下不同的ip就像不同艺人。每个形象都有自己的特点和叙事，通过不同产品、内容和合作持续触达消费者。 音乐公司也存在类似的可能。它的起点是歌手和作品，但当人物和作品足够有辨识度之后，ip的发展空间可能超出音乐本身。 这并不意味着公司需要全面控制艺人的创作。在实际制作里，多位创作者一起写歌、讨论编曲、构思视觉内容，往往能碰撞出单个人难以想到的东西。有时短片的视觉概念在歌词创作阶段就已经出现，后续拍摄只是把它进一步实现。 因此，早期的音乐ip团队更需要建立合适的协作方式，让艺人、制作人和视觉团队共同参与。商业团队更强的决策作用，可能发生在下一步——几十首demo里先推哪几首，预算投到哪些市场，什么内容值得继续投入。 对于想进入全球市场的中国背景创作者，还有一个需要提前想清楚的问题：作品里的“中国文化”，究竟是什么？ 很多文化出海项目容易把中国文化等同于传统文化，想到熊猫、中国结、古风、武侠等符号。但现代中国年轻人的生活、语言、审美和流行文化，同样属于中国文化。 一个由中国创作者生产的音乐ip，可以用英文创作，可以采用国际流行音乐的制作方式，也可以在视觉上完全不使用传统中国元素。它的文化背景来自创作者本身，来自他们经历过的社会、成长环境和审美训练。 黑神话悟空和labubu就代表了两种差别很大的路径。前者与中国传统题材有直接关联，后者的全球传播并不依赖消费者先理解某种中国文化符号。 音乐同样存在这种可能。来自中国的创作者，可以生产面向全球市场的现代流行文化。 这也意味着，文化出海不一定要从传统题材开始。作品首先要让不同文化背景的人愿意听、愿意看、愿意传播。它可以保留创作者的个人经验，也需要理解不同市场的受众在音乐风格、视觉表达和文化语境上的差异。 三、作品能不能火，越来越取决于发行策略 一首歌好不好听，仍然带有很强的主观性。一个音乐人能不能成为明星，也很难在创作阶段给出确定答案。 但娱乐产业经过多年发展，已经积累了相当成熟的发行和推广方法。 一个比较形象的比喻来自赛车。艺人相当于车手，音乐和影视制作能力相当于赛车。到了专业水平之后，车手和赛车都已经具备基本竞争力，最后还需要一套能把资源用在合适位置的比赛策略。 音乐也是如此。 作品完成之后，还需要协调数字发行、流媒体上线、社交媒体内容、pr、媒体采访、电台、音乐评论和其它曝光渠道。如果同时制作mv、短片和其它视觉内容，整个排期会更加复杂。 按照实际项目经验，正式发行往往需要提前1-3个月准备。发行团队要协调平台、媒体、宣传素材和不同渠道的曝光节点。即使预算充足，也不能简单理解成这周制作完成，下周就直接全球推广。 作品的生产也有不同模式。独立音乐人可能一首一首写；专业制作团队可以通过writing camp，让十几名甚至更多创作者集中写出大量demo，再从中筛选适合发行的作品。后续由制作团队进一步完善，安排正式录制和发行。 真正变化很大的，是作品筛选和推广决策的方式。 过去，大型唱片公司掌握发行渠道，制作人和高管的经验在很大程度上决定了哪首歌获得推广资源。专业制作人可以依靠多年积累做出判断，但误判同样存在。 流媒体和短视频平台兴起后，团队可以在正式大规模发行之前，先获得一部分市场反馈。一首歌的一段副歌、几十秒的demo，或者一个视觉片段，可以先放到不同内容渠道测试，观察受众对旋律、节奏、情绪和视觉风格的反应，再决定是否继续投入。成熟的平台和内容团队已经积累了大量算法分发与用户测试经验。 音乐发行因此开始出现越来越明确的实验逻辑：先测试，再选择，再集中推广，根据数据调整下一轮内容。 billie eilish是这次交流中提到一个的有趣的参考案例。 她早期与兄长finneas合作，在家庭环境中完成大量音乐制作，减少了对昂贵录音棚的依赖。她的作品逐渐形成了鲜明的声音特征，视觉上也有强烈的个人风格。随着专业厂牌和发行资源进入，这些特点被持续放大。 她并不是等到《bad guy》走红后才开始建立形象。此前的作品和传播已经在积累听众，音乐、视觉和艺人特征之间形成了较为稳定的关联。 从创业角度看，这个案例值得研究的地方，是低成本起步的专业创作、鲜明的个人风格、持续发行，以及后续更大规模商业资源之间的配合。至于具体哪些推广数据决定了某一次发行决策，单凭公开案例仍然很难完整还原。 平台本身也在改变娱乐产业的权力结构。 传统音乐工业的发行入口集中在唱片公司和媒体手里。youtube、tiktok等平台出现后，个人创作者获得了以较低成本触达大量受众的机会。justin bieber等艺人的成长，也与早期网络视频平台的传播密切相关。 但平台逐渐成熟后，流量竞争重新变得激烈。推荐系统、广告预算、数据分析和内容运营能力，再次决定新人能够拿到多少注意力。 在一个平台刚开始快速增长的时候，创作者有机会跟着平台一起成长。等平台成熟、广告成本上升以后，新人再进入，需要面对完全不同的竞争环境。 中国互联网公司在短视频运营、算法分发、投流和ai内容制作上积累了大量经验。对于音乐行业，这些能力可能成为进入海外市场的一种工具。 尤其在ai短片、动画和视觉内容制作成本下降之后，一首歌可以拥有更多传播素材，也更容易被制作成适合不同平台的内容。某些作品的病毒式传播，甚至依赖大量用户二创，而不只是官方发布的原始mv。 但当人人都能制作ai视觉内容，制作能力本身的差异也会逐渐缩小。团队仍然需要回答：什么样的音乐、人物和视觉内容能够结合起来？哪些受众会买单？预算怎样花得更有效？ k-pop的发展提供了另一种产业参照。 韩国偶像产业早期吸收了日本j-pop的部分培养方式，又结合资本、经纪体系、专业制作和文化推广资源，逐步形成了自己的工业化体系。后来经过长期海外运营，部分艺人和团体成功建立全球粉丝群体。 其中存在不同历史阶段、市场变化和政策环境的共同影响，很难归结为单一原因。但k-pop至少说明，全球化音乐影响力往往需要持续投入和成体系的培养、发行能力，远远超出一两首热门歌曲。 对中国背景的艺人来说，另一个必须区分的问题是：在美国活动，与进入美国主流音乐市场，是两件不同的事。 一位中国艺人在洛杉矶举办演出、使用美国顶级制作团队，甚至参与当地知名音乐机构的活动，并不自动意味着其听众已经突破原有华语市场。 如果观众仍然主要来自华人群体，商业上当然可以成立，但受众边界可能还没有明显扩大。 这次也提到了王嘉尔与其他华语艺人在海外演出受众上的差别。从个别演出的现场观察看，王嘉尔吸引了更为多元的族裔观众。这种观察不能直接代表整个海外市场，却提供了一个值得继续验证的维度——判断全球化，除了看演出地点、制作团队和合作资源，还需要看实际的受众结构。 音乐的艺术评价始终带有个人偏好，商业结果则可以通过播放、榜单、销售、票房和受众数据观察。 两种评价会长期并存。 四、从创作者团队到ip公司，最后考验的是资金与组织能力 如果把音乐当成一项可以长期经营的业务，公司需要的能力远比制作歌曲复杂。 首先是持续的人才来源。 洛杉矶有大量来自音乐学院、电影学院的年轻创作者，也有不少已经具备专业能力，却还没有建立市场影响力的艺人。找到这些人只是第一步，后面还需要建立合作关系，让制作人、导演、视觉创作者和商业团队能够围绕作品长期协作。 其次是制作能力。 目前正在筹备的这类创业团队，已经开始连接不同方向的专业资源，包括有成熟商业唱片制作经验的音乐人、美国电影学院背景的影视创作者，以及国内熟悉ai短剧、动画和视频制作的团队。 音乐与影视资源被组织起来以后，一首歌就有机会从最初的demo逐步发展为完整的视听内容。 商务部分则需要另一套人。 美国本地的pr和媒体资源、国内的投流和内容运营团队、数字发行渠道，以及处理音乐版权、经纪合约和商业合作的娱乐法律师，都属于这条产业链的组成部分。 尤其是版权。 音乐行业的娱乐法律事务，与普通创业公司处理公司设立、股权结构的法律服务有明显区别。音乐版权以及后续内容的使用和商业合作，都需要专业的法律支持。随着作品进一步延伸到影视和其它ip形式，这部分工作会变得更加复杂。 这些环节单独看都有成熟的专业人士和服务商。难的是把它们长期组织在一起，围绕同一批艺人和作品持续运转。 创业团队可以先从一个较小的项目开始，但要形成连续发行和市场推广的能力，就必须有资金支持。 一种正在筹划的发行方式是：资金到位后，先用约3-5个月完成录制和制作准备，再以每月两三首歌曲的节奏持续发行，同时配合短片等视觉内容。连续运行几个月以后，根据不同作品的播放、传播和受众反馈，决定下一阶段重点制作什么、推广什么。 这仍然是一项待验证的计划，并非已经成熟运行的生产体系。但它体现了从项目制向公司化转型的一种思路：提前储备作品、滚动发行、持续获取数据，再把每一轮结果用于下一轮决策。 融资也是最现实的命题和挑战之一。 传统vc容易把这类业务看成娱乐内容投资。音乐和影视项目有爆款潜力，但结果不确定，投资人很难像评估saas、硬件或其它科技项目一样，用相对熟悉的模型预测收益。对部分国内投资人来说，还需要额外理解美国音乐产业的运作方式，以及一家中国背景的团队为什么能够在海外竞争。项目同时涉及娱乐工业与全球化内容，解释成本很高。美国成熟的娱乐产业拥有大量资本，但新的亚裔创业团队要进入既有合作网络，同样存在门槛。 相比单纯寻找传统风险投资，和ai模型、视频技术、内容平台相关的企业建立战略合作，可能是一条更适合的路径。 这些公司正在开发音乐、视频和多模态模型，但模型做出来以后，还需要真实创作者使用，需要专业反馈，也需要能够展示产品能力的内容和业务场景。音乐ip团队恰好可以提供这些东西：真实创作任务、专业的音乐和影视制作流程、作品发行，以及来自市场的反馈。 对技术公司来说，这些合作有机会帮助模型进入具体业务，改进产品，并形成新的内容生态。对创作者团队来说，则有机会获得资金、工具、推广资源和更稳定的商业伙伴。因此，部分ai、互联网及影视科技公司的战略投资部门，可能比传统财务投资人更容易理解这种业务的价值。 但这种合作也有明确的限制。技术公司最终仍然要看合作能否带来产品验证、用户使用、内容供给或其它战略收益。音乐作品能否获得消费者接受，还要通过发行和市场数据单独证明。 最后一个问题，是跨文化背景究竟能形成多大的竞争优势。 熟悉中国市场，也了解美国娱乐工业，确实可能帮助团队连接两边的创作者、制作资源和发行能力。中国的短视频运营和ai内容制作经验，与美国成熟的音乐工业结合，也可能产生新的工作方式。 但这种连接并不会自动变成全球化ip。不同市场的文化语境、观众偏好、商业规则和版权体系，都需要长期学习。 甚至成熟的国际唱片公司进入中国市场，也不一定能快速找到合适的艺人和运营方式。资金可以买到制作资源，却很难直接买到对文化和市场的全部理解。 过去港台音乐产业积累了成熟的制作、包装与发行经验，韩国则通过长期的偶像产业建设进入全球市场。中国大陆拥有更庞大的本土消费市场和丰富的创作资源，如何把这些资源持续转化为能够进入不同文化市场的艺人与作品，仍然需要新的实践。 这类创业项目最终需要积累的，是几项相互依赖的能力：找到合适的创作者，把他们组织起来，持续生产质量稳定的作品，再用有效的发行策略把作品送到合适的受众面前。 任何一个环节都可以通过合作获得部分资源，但长期运转仍然需要公司内部形成稳定的判断和管理能力。 这也是从个人项目转向公司化最困难的地方。 一个人可以完成一首歌，也可能偶然获得一次很大的传播；公司却需要在没有爆款的时候继续制作，需要为下一次发行预留资金，需要维护创作者关系和版权，也需要在每一轮发行以后决定下一步往哪里走。 当人才、制作、宣发和法务等资源已经建立，音乐与视频结合的内容方向也逐渐清楚，还需要投资方的到位。寻找资金的同时，计划中的连续发行也需准备启动，第一批能够真正触达全球受众的艺人和作品，还需要通过实际市场反馈来证明。这些都属于很重要的验证，需要完成。 以上。